Les 12 principes de l’animation par Disney : fondements de l’animation moderne

L’animation telle que nous la connaissons aujourd’hui doit beaucoup aux 12 principes de base élaborés par les légendaires animateurs Ollie Johnston et Frank Thomas de Disney, dans leur ouvrage The Illusion of Life. Ces principes ont été conçus pour rendre l’animation plus vivante et réaliste, et restent encore à ce jour des piliers pour les animateurs du monde entier. Découvrez comment chacun de ces principes contribue à donner vie aux personnages et aux scènes animées.

1. Squash and stretch (compression et étirement)

Le squash and stretch est essentiel pour donner aux objets et aux personnages une impression de poids, de flexibilité et de volume. Que ce soit une balle rebondissante ou le visage expressif d’un personnage, ce principe permet de capturer le mouvement de manière dynamique.

Anecdote technique : Un principe clé dans le squash et stretch est la loi de conservation du volume, où malgré la déformation, le volume global de l’objet reste constant. Cela donne du réalisme au mouvement sans que l’objet paraisse distordu.

2. Anticipation

L’anticipation prépare le spectateur à une action. Avant de sauter, un personnage doit plier les genoux, ou avant de lancer un objet, il faut reculer le bras. Ce principe est essentiel pour rendre les actions plus fluides et naturelles.

Astuce : L’anticipation permet aussi de déterminer l’intensité d’une action. Plus l’anticipation est marquée, plus l’action suivante sera perçue comme puissante.

3. Mise en scène (staging)

Le principe de staging consiste à mettre en avant l’essence de la scène, que ce soit une émotion ou une action. Il s’agit de guider l’œil du spectateur vers les éléments clés en utilisant le cadrage, la composition et la lumière.

Conseil : Choisissez les angles et la mise en scène pour maximiser l’impact dramatique et émotionnel de la scène.

4. Animation directe et pose à pose (Straight ahead and pose to pose)

L’animation peut être réalisée de deux manières : directe ou par pose clé. L’animation directe consiste à dessiner chaque image de manière continue, tandis que l’animation par pose clé consiste à créer des poses majeures et à les relier avec des images intermédiaires.

Astuce : L’animation par pose clé est particulièrement utile pour les scènes planifiées avec soin, tandis que l’animation directe est idéale pour des mouvements plus organiques et spontanés comme le feu ou une explosion par exemple.

5. Suivi et superposition (follow through and overlapping action)

Le mouvement ne s’arrête pas immédiatement. C’est ici que le principe de suivi et de superposition entre en jeu. Quand un personnage s’arrête soudainement, les parties de son corps, comme les cheveux ou les vêtements, continuent de bouger.

Astuce technique : Ce principe donne de l’inertie et de l’énergie cinétique à une action. La partie motrice d’un objet ou d’un personnage se déplace en premier, suivie par le reste avec un délai.

6. Accélération et décélération (slow in and slow out)

Pour rendre une animation fluide, il est important de ralentir les débuts et fins de mouvements. Cela permet d’éviter des actions trop rigides ou saccadées.

Exemple : Une voiture ne démarre pas à pleine vitesse instantanément, elle accélère progressivement. Ce principe s’applique aux mouvements humains de la même manière.

07. Arc

Lorsque vous travaillez dans l’animation, il est préférable de respecter les lois de la physique. La plupart des objets suivent un arc ou un chemin lorsqu’ils se déplacent, et vos animations doivent refléter cet arc. Par exemple, lorsque vous lancez une balle en l’air, elle suit un arc naturel lorsque les effets de la gravité terrestre agissent sur elle.

08. Action secondaire (secondary action)

Le mouvement secondaire est tout ce qui accompagne l’action principale pour la rendre plus réaliste. Si un personnage court, ses cheveux ou vêtements doivent bouger en fonction de cette action. Le mouvement secondaire ne doit jamais distraire de l’action principale, mais doit l’enrichir subtilement.

Astuce : Plus le délai entre le mouvement de la partie secondaire et la partie motrice est important, plus cela lui donnera un aspect mou, et inversement.

09. Timing

Pour ce principe d’animation, nous devons à nouveau regarder les lois de la physique et appliquer ce que nous voyons dans le monde naturel à nos animations. Dans ce cas, l’accent est mis sur le timing.

Si vous déplacez un objet plus rapidement ou plus lentement qu’il ne le ferait naturellement dans le monde réel, l’effet ne sera pas crédible. Utiliser le bon timing vous permet de contrôler l’ambiance et la réaction de vos personnages et objets. Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas pousser un peu les choses (surtout si vous créez un monde imaginaire) – mais si vous le faites, soyez cohérent.

10. Exagération (exaggeration)

Trop de réalisme peut ruiner une animation, la faisant paraître statique et ennuyeuse. Au lieu de ça, ajoutez une certaine exagération à vos personnages et objets pour les rendre plus dynamiques. Trouvez des moyens de repousser les limites juste au-delà de ce qui est possible et vos animations seront plus attrayantes.

11. Volume (solid drawing)

Vous devez comprendre les bases du dessin. Cela comprend savoir dessiner dans un espace tridimensionnel et comprendre la forme et l’anatomie, le poids et le volume, les lumières et les ombres.

Bien que vous puissiez repousser les limites ici aussi, il est important de rester cohérent. Si votre monde a des portes bancales et une perspective déformée, conservez cette perspective tout au long de l’animation. Sinon, les choses s’effondreront.

12. Charme (appeal)

Vos personnages, objets et le monde dans lequel ils vivent doivent séduire le spectateur. Cela inclut une conception lisible, un dessin précis et une personnalité. Il n’y a pas de formule pour bien faire les choses, mais cela commence par un développement poussé des personnages et la possibilité de raconter votre histoire à travers l’art de l’animation.

L’impact durable des 12 principes de l’animation

Les 12 principes de l’animation par Disney continuent de guider les animateurs, qu’ils travaillent dans le cinéma, la télévision ou les jeux vidéo. Ces principes permettent de créer des animations crédibles, émotionnelles et intemporelles. Que vous soyez débutant ou expert, ces concepts sont les fondements pour rendre vos animations plus vivantes et engageantes.

Chez Vert Caméléon, nous mettons ces principes de l’animation Disney en pratique pour réaliser des projets de motion design impactants, alliant créativité et précision technique. Vous avez un projet d’animation ou souhaitez améliorer votre communication visuelle ? Confiez-nous vos idées, et nous vous aiderons à les transformer en animations captivantes qui résonneront auprès de votre audience. Contactez-nous dès aujourd’hui pour discuter de vos besoins et découvrir comment nous pouvons donner vie à vos projets.